Kathleen Vance

Le Paysage et le Déplacement (Landscape and Displacement)

Each landscape is a visible entity: a hypothesis of vision transposed onto our surroundings.
Bernard Lassus

Our idea of “landscape” is a mixture of elements both real and imaginary. With their installations on the grounds of Château de Beaurepaire, and in the rooms opening onto its gardens, eight international artists propose diverse paths for entering into the experience of “landscape”. Each artist presented here comes from elsewhere—is,in effect, displaced—to immerse themselves in the rich history and natural beauty of this region.

In exploring the exhibition, avisitor will be invited to consider the idea of landscape as a fluid concept. Among the installations are works made of natural materials collected from the forest and surrounding fields, brought intorelation withthe buildings. Scattered throughout the gardens, tiny sculptures of paint and plaster slyly pose as natural plants and flowers.

Shapes and gestures observed outdoors “en plein air” reappear in paintings of heightened color and imagination. Personalized maps of cityscapes trace experiences and emotions embedded within the built environment. An ancient chapel is transformed into its own landscape of mathematical repetitions of organic forms. A deep study of Beaurepaire’s underground water system reveals new insights.

And finally, in an interactive sound installation that functions as a musical instrument, the haunting voice of a migrant evokes a landscape that now exists only in her memory. In this exhibition, anew experience of landscape emerges—a vision with multiple facets—merging our ancient past with a present that is in constant flux. - Patricia Smith

PARTICIPATING ARTISTS:

Paola Alborghetti

Né en 1975 à Besana Brianza, Milan. De 1998 à 1999, Paola Alborghetti a suivi le cours de techniques de peinture à l'école civique du Castello de Miano. De 2002 à 2006, elle a fréquenté l'Académie des Beaux- Arts de Brera, Milan, spécialisé dans la décoration. En 2003, elle a passé 6 mois à étudier à l'Académie des Beaux-Arts de Dresde, en Allemagne. En 2006, elle est diplômé en Décoration à l'Académie des Beaux-Arts de Brera.

Paola Alborghetti a organisé et participé à plusieurs programmes de résidences pour artistes en Italie et à l'étranger. Elle a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives, dont : Muzeum Niepołomickie, Pologne, 2020 (solo) ; Grown in (bi-solo with Eckehard Fuchs), Artbox, Dresden, Germany (2021); Here Everything is Made of Minerals, Galerie Drei, Dresde, Allemagne, 2017 (exposition personnelle) ; Fede e bellezza, Sacro Monte di Ghiffa, Verbania, Italie (2022); Exhibition for ONE, Museo Camuno, Breno, Italie. Elle vit et travaille entre l'Italie et l'Allemagne.

Installation Atomes et piliers / le paysage intérieur

Je suis souvent en déplacement et j'y passe encore beaucoup de temps. Mais ce qui se passe dans ma perception est le même: je ressens le changement de l'intérieur, dans mon âme, dans mon cœur. Le "paysage" est le sujet qui me représente en tout: dans son changement, dans sa richesse de formes et de couleurs et en changeant avec le changement des saisons. Mon travail pictural embrasse et entre pleinement dans ce sujet: "le paysage intérieur", peut-être le plus difficile à explorer. Ce sujet prend possession du support de l'image et fait une recherche et une découverte continuant de formes archaïques, anthropomorphes, qui co-existent dans ma peinture dans un paysage indéfini et infini.

Francesca Conchieri

Francesca Conchieri est basé à Saviore dell'Adamello, un village de montagne (province de Brescia), dans le Parc Naturel de l'Adamello, où elle a déménagé pour gérer des actifs d'archéologie industrielle. Elle'y a développé, avec Mauro Cossu et une équipe pluridisciplinaire, des conceptions visant à valoriser le patrimoine culturel.

Depuis vingt ans, elle expose en Italie et à l'étranger en tant qu'artiste et organisateur culturel. Elle est diplômé de l'école d'art, diplômé en philosophie théorique avec une thèse sur la philosophie de l'image à l'Université d'État de Milan. Elle a aussi un diplôme de thérapeute de jardin et elle a obtenu une maîtrise en planification européenne à l'Université Ca' Foscari.

Poétique

Ma recherche est par nature conceptuelle, relationnelle et situationniste. Je travaille avec de nombreux matériaux et outils multimédias et je considère comme travail l'ensemble des productions que mes actions génèrent et nécessitent (communication, documentation, vestiges matériels, etc.).

Je travaille sur la perception des formes, souvent invisibles, et sur l'expérimentation d'expériences de l'espace et du temps. Je m'intéresse à faire de la théorétique et de l'ontologie à travers des processus, en traitant l'évolution des matériaux et des situations comme des structures signifiantes, des "contextes" sémantiques "parlants".

Au cours des années, j'ai rassemblé des techniques, des stratégies et des méthodologies que j'aime à considérer comme un "ensemble d'exercices", que n'importe qui peut apprendre, répéter et utiliser pour s'immerger dans les pistes d'investigation qu'elles révèlent.

www.ruinascontemporaneas.it

Mauro Cossu

Né en Sardaigne, il vit et travaille sans frontières territoriales. Compositeur et musicien, artiste et commissaire, il travaille sur l'interaction entre l'art visuel et expérimentation sonore. Il a participé à de nombreux événements internationaux (dont la Biennale de Venise 2005, dans le cadre du projet Sound Fetish, inclus dans les archives sonores du MOMA; Panorama Italiano (Trevi Flash Art Museum); Bologna Flash Art Show (dans le cadre de la Amici Miei, de Giancarlo Politi); My MASK, première étape du projet Paysage Nomade. Son travail est présent dans diverses collections et fondations publiques et privées. Il est co-commissaire et co-concepteur de l'exposition et de la programmation culturelle de l'Ass. P.I.R. (Sellero, BS), en collaboration avec Francesca Conchieri.

Mode de travail

Chaque lieu acquiert une centralité si vous avez quelque chose à dire et à faire et cela se fait avec conscience et détermination. Pensons-nous que notre travail n'est pas suffisamment reçu par les galeristes, les conservateurs, les historiens de l'art ou toute autre personne gérant des espaces d'exposition ? Eh bien, notre espace, c'est le monde, il est dehors, dehors, voire hors des circuits conventionnels. Un sous-sol ne vaut pas moins qu'un lieu désigné, et nous devons pouvoir en être nous-mêmes les premiers critiques et conservateurs. La relation avec l'environnement, avec le paysage, avec la condition humaine émerge, où la vie, l'art et l'expérience s'entremêlent et ne font plus qu'un.

www.ruinascontemporaneas.it

Eckehard Fuchs

Né en 1975 à Alzenau/Wasserlos, Francfort, Allemagne. De 1996 à 1999, il a étudié le graphisme à Darmstadt et de 1999 à 2003, il a fréquenté l'Académie des Beaux-Arts de Dresde, où il a reçu son diplôme en 2003, et à 2005, sa maîtrise en peinture. Il a organisé et participé à plusieurs programmes de résidences pour artistes en Italie et à l'étranger. Parmi les différentes expositions individuelles et collectives, nous mentionnons: Eckehard Fuchs Muzeum Niepołomickie, Pologne, 2022 (solo); Cliché, Museo Camuno, Breno, Italie, 2022 (solo), ; Percorso Sommerso, Galeria Szyb Wilson, Katowice, Pologne (solo); Grown in, Artbox, Dresde, 2020 (solo); Exhibition for ONE, Museo Camuno, Breno, Italie, 2021; Von der Kunst, Kunst zu fördern, Städtische Galerie, Dresde, 2021; PONDUS in mostra, Giovanni Bonelli Gallery, Milan, 2020; SCHAUHASEN Kunst & Politik, GALERIE HOLGER JOHN, Dresden, 2019; Variatio Delectat I—Abwechslung macht Freude, Hans Körnig Museum, Dresden, 2019. Il vit et travaille entre l'Italie et l'Allemagne.

Déplacement / Renouvellement

Depuis quelques années le sujet de ma pratique picturale est avant tout le paysage, raconté non pas dans son intégralité, mais dans le détail. Des branches, des racines, des troncs d'arbres, des ruines, des pierres, des rochers, de l'eau, des éléments qui racontent une vie passée et quelque chose qui renaît à travers la peinture. La peinture n'est pas une simple description du paysage mais devient elle-même le sujet et en même temps un moyen de recherche, l'explorant également sous des formes tridimensionnelles et à travers de grandes compositions xylographiques sur bois. L'oeil de l'artiste est nomade, il voit dans le paysage le meilleur endroit pour investiguer le médium pictural et aller plus loin. Grâce à la technique d'impression xylographique, je peux rendre à l'infini le détail choisi et lui donner toujours une nouvelle apparence, grâce au positionnement différent des modules imprimés. Les grandes compositions, comme le paysage, sont fragmentées, composées, pleines de formes et de sens qui se renouvellent .... mais seulement si nous nous sentons vraiment libres.

Christine Gedeon

Christine Gedeon est née à Alep, a grandi aux États-Unis et partage son temps entre Berlin et New York. Depuis la guerre en Syrie, son travail s'est concentré sur son histoire familiale en Syrie, avant la guerre civile dans divers médiums. Les oeuvres de Mme Gedeon sont exposées dans des galeries et des institutions à travers le monde. Elle a participé à plusieurs résidences d'artistes et a reçu des subventions et des bourses d'institutions telles que le Sénat culturel de Berlin, la Fondation Harpo, le Bronx Museum (AIM 30) et l'A.I.R. Galerie, New York. Son livre d'art Alep: Déconstruction | Reconstruction a été publié en 2020 par Kerber Verlag.

Syria... as my mother speaks (2014), est un « instrument à cordes » interactif et jouable, reliant des brins de fil à l'architecture d'un espace et, lorsqu'il est déclenché, joue des sons superposés et des extraits d'histoires et de conversations avec ma mère (principalement en arabe), centrée sur la guerre en Syrie, nos proches là-bas et ses souvenirs d'avant-guerre.

Réalisant que la guerre était un sujet constant lorsque je parlais à ma mère, j'avais besoin de faire quelque chose avec ses histoires. J'avais des proches à Alep et à Damas touchés, et les tragédies que l'on entendait aux informations étaient des événements réels affectant ma famille. J'ai travaillé avec un artiste sonore qui superposait des extraits de conversations sur fond de sons de guerre, de chants et de chansons syriennes traditionnelles. Cet instrument joue comme une harpe, où chaque corde déclenche différents points dans ce collage sonore.

Alors que la guerre (et ses conséquences) en Syrie est une tragédie à l'échelle mondiale, ce qu'elle a été pour ma famille et moi nous rappelle notre propre tragédie, notre propre histoire et la prise de conscience que nous ne reverrons peut-être jamais cet endroit. D'où nous venons, non pas comme autrefois, comme si notre propre histoire personnelle s'effaçait avec l'effondrement de ces villes et de l'histoire architecturale. Ce travail a eu quatre itérations jusqu'à présent : Bocholt, Allemagne; Berlin, Dubrovnik et New York.

https://vimeo.com/94937842

Patricia Smith

Patricia Smith a commencé à exposer à New York au milieu des années 1980 et a depuis établi une longue liste d'expositions internationales individuelles et collectives, de projets commissionnés et de participation à des foires d'art internationales. Ses expositions muséales et institutionnelles incluent celles du Brooklyn Museum à New York; Musée d'art de Torrance à Californie; BRIC à Brooklyn, NY; l'ESAD à Grenoble, France; Centre d'Art Contemporain de Fontaine, France; Austellungsraum Klingental à Bâle, Suisse; Musée Housatonic à Bridgeport, Connecticut; Stedelijk Museum Aalst en Belgique; Stedelijk Museum Lier en Belgique; Université Texas Tech à Lubbock; Weatherspoon Museum à l'Université de Caroline du Nord et Carlsbad Museum au Nouveau-Mexique. Smith est représentée par la Front Room Galerie à New York, où elle a eu cinq expositions personnelles depuis 2006. Son travail a été évalué dans le New York Times, Art in America, Artnet, Los Angeles Times, L Magazine et de nombreuses autres publications. Elle a reçu de nombreux prix, dont une bourse de la New York Foundation for the Arts en 2014 et des prix de résidence à la Cité Internationale des Arts à Paris et au Kaus Australis à Rotterdam. Elle vit et travaille entre Rotterdam, Pays-Bas et Loudun, France.

Constructions

Patricia Smith enregistre son expérience de l'espace physique, ainsi que les petits incidents, les impulsions aléatoires et les schémas énergétiques perçus qu'elle rencontre. Ces données sont ensuite transformées en une carte d'un territoire à la fois reconnaissable et étrange. Dans leurs tentatives de définition du territoire, ces cartes révèlent un paysage mental en constante évolution et labyrinthique qui échappe perpétuellement à la définition.

Dans cette série, chaque dessin est une étude de plusieurs aspects d'une ville. Les « constructions » sont des cadres psychiques qui s'attachent à la réalité matérielle du lieu, du local. Chaque ville est définie par un « sentiment » particulier, qui est construit à partir d'une émotion subjective, des événements observés, et d'une expérience personnelle.

www.patriciasmithart.com

Virginia Katz

Virginia Katz est une peintre conceptuelle basée sur les processus. Elle a exposé en Californie, à New York, en Europe et en Asie, notamment au Long Beach Museum of Art, au Riverside Art Museum, au Laguna Art Museum et au Pasadena Museum of California Art. Plus récemment, plusieurs de ses tirages sur supports mixtes ont été acquis par le Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Son travail a été évalué par le Los Angeles Times, le Huffington Post et Art in America. Virginia Katz vit et travaille dans le sud de la Californie.

Mode de travail

Issu d'un désir de situer notre connexion dans ce monde, mon travail s'est concentré sur la gamme entre l'espace environnemental tridimensionnel et immatériel à travers divers supports de peinture. Cette exploration s'étend sur trois séries concurrentes de peintures de paysages : les peintures en relief et leur intervention dans l'espace environnemental, les monotypes de techniques mixtes et les aquarelles. Soutenu par des enquêtes philosophiques et des choix d'images, de médias et de techniques, l'accent est mis sur notre relation partagée, enchevêtrée et changeante avec l'environnement et notre pleine participation à ses cycles de déclin et de renouvellement—y compris les interprétations métaphoriques. Ces différentes approches picturales du paysage reflètent la nature à multiples facettes de l'environnement lui-même et offrent l'opportunité de découvrir le paysage à travers le prisme de la peinture.

http://www.virginiakatz.com/

Kathleen Vance

Kathleen Vance a obtenu son B.F.A. du Pratt Institute et de son M.F.A. du Hunter College en sculpture. Elle a reçu de nombreuses bourses et récompenses pour ses œuvres, notamment : une bourse de voyage pour la recherche sur les régions géothermiques d'Islande, une bourse de la fondation Puffin pour la sculpture publique et une bourse de développement d'Aljira, Centre d'art contemporain en collaboration avec le Fondation Capital Créatif. Mme Vance était artiste résidente à Berlin, en Allemagne, où elle a présenté un atelier sur les arts environnementaux en lien avec le département des parcs de Grunewald en Allemagne. Ses installations sculpturales ont été présentées au Musée d'art contemporain de Cracovie, au Musée d'art contemporain de Jacksonville, au Orlando Museum of Art, au Weatherspoon Art Museum, au Peeler Art Center, au Weisman Art Museum, au Brandywine River Museum of Art, le Bruce Museum, le Ellen Noel Art Museum, Nassauischer Kunstverein Wiesbaden, le Hillwood Art Museum, Sotheby's, VOLTA New York, PULSE New York et Miami, SPRING/BREAK Art Show et EXPO Chicago, ainsi que de nombreuses institutions privées et publiques. Son travail a été présenté dans le New York Times, ArtNet, Hyperallergic, Elle Decor, Juxtapose, Installation Magazine, Colossal, parmi d'autres publications internationales. Elle habite et travaille à New York, aux États-Unis.

Kathleen Vance est une artiste environnementale qui crée des sculptures et des installations qui relient les gens aux aspects locaux de la nature qui sont négligés ou sous-estimés. Inspirées par des expériences personnelles dans la nature, ses œuvres explorent les concepts de déplacement de sites, de droits à l'eau et à la terre, d'accès et de la préciosité de la nature. Ses œuvres attirent l'attention et la prise de conscience de notre rôle dans les écosystèmes locaux, dans le but d'être plus conscients de la consommation, de considérer notre impact environnemental et de travailler à la préservation des ressources naturelles.

Vance s'engage directement dans et avec la nature pour définir et isoler les éléments organiques qui sont indicatifs d'un lieu, les recontextualisant dans son œuvre, pour donner un nouveau sens. En créant ses installations, Vance dé-altère le paysage de manière permanente ; ses interventions environnementales redirigent l'expérience existante du spectateur afin d'accroître l'appréciation des moments subtils de la nature qui changent avec le temps. Pour cette exposition, Kathleen Vance créera une installation éphémère in situ avec des matériaux naturels déplacés de leur contexte environnemental au Château Beaurepaire.

https://kathleenvance.com/